El amor que en mi revive.

Origen: El amor que en mi revive.

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El advenimiento republicano de España.

España al día de hoy está históricamente en mejor disposición de iniciar un proceso de cambio para la implantación de un modelo de Estado republicano que durante la II República o “La Transición“.

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86 años después el republicanismo aún recuerda con añoranza la República tricolor y su modelo totalmente obsoleto soñando con el advenimiento de la Tercera pero el sentido común manda empezar la casa por los cimientos y no por el tejado…

Para que el republicanismo avance en España tiene la obligación de adaptarse a los nuevos tiempos y modificar su mensaje en base a la esencia de la corriente de pensamiento ilustrado, del propio republicanismo obviando partidismos, forma organizativa y tendencias como las unionistas, centralistas, federalistas, separatistas, conservadoras y/o progresistas.

Lo primero que hay que entender es que el republicanismo no es una opción política, no es de izquierda ni de derechas, es un modo de entender y ordenar la vida socialmente bajo una filosofía o pensamiento fundamentado en un modo de gobierno determinado, opositor de los sistemas absolutistas, monárquicos, aristocráticos y teóricos apartando los sistemas de gobierno corruptos por el poder privilegiado u oligárquico. Aquí no caben modelos económicos, pues a estos los traerán las diferentes alternativas de gobernabilidad, las tendencias más progresistas con sistemas más o menos socializados y las opciones más conservadoras con arquetipos más capitalistas.

La caída demostrable en números de la percepción de los españoles sobre su monarquía es más que evidente, el índice más bajo de popularidad desde la llegada de la democracia pese al pequeño repunte logrado desde el 2014 con la abdicación del monarca y el relevo del actual rey Felipe VI. A los números me remito: Hasta el año 2004, la monarquía era, según el Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS), la institución mejor valorada por los españoles. En 1995, obtuvo 7,4 puntos sobre 10. En 1998, 6,72. En 2006, esta valoración descendió hasta un 5,19 y a partir de 2011, la monarquía solo cosechó un suspenso tras otro, un 4,89 en 2011, un 3,68 en 2013 y un 3,72 en abril de 2014. Actualmente se sitúa en 6,4 sobre 10 con la recuperación del actual jefe de Estado, eso indica que casi un 3.5 de españoles apoyarían una opción republicana, un 0.1 no se define y del 6.4 el 73% apoyan a Felipe VI no a la institución; es decir, 1.7 podrían ser opciones republicanas dejando el baremo en 5.2 posibles votos por un sistema de república. Claro está que esto son sólo datos teóricos, porque dentro del republicanismo con el modelo actual sus votos no suman más que casi el 25% de los sufragios, o lo que es lo mismo, no llegan a 1/4 de la población con derecho de voto, dado que las alternativas son casi todas de corte representativo de partidos de izquierda radical y algunos moderados.

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El Monarca español, Felipe VI

Esta caída en la consideración de la institución fue de la mano de una serie de escándalos que afectaron a la imagen institucional, especialmente la corrupción en el que están involucrados algunos miembros como la infanta Cristina, y su marido, Iñaki Urdangarín. Pero también las fotografías de Juan Carlos I en una cacería de elefantes en Botsuana en la cual se fracturó la cadera en 2012 y por la que pidió disculpas  y,  obviando las corredurías de rey emérito, que mucho tienen que ver con la nueva caída en los datos de recuperación que  estaba consiguiendo el actual monarca. En paralelo a este  deterioro de imagen del monarca emérito, la institución que representaba y de algunos casos más aislados de posibles corruptelas de delfines o afines al mismo, la opción de una república como forma de gobierno fue ganando fuerza según las encuestas.

De acuerdo con un estudio realizado por Metroscopia para el diario El País, mientras que en 1996, la ventaja de la monarquía sobre la república era de 53%, en 2012, esta diferencia se había reducido a un 16% y por primera vez en los casi 40 años de reinado de Juan Carlos I, la disyuntiva entre monarquía y república –que hasta entonces había sido una cuestión minoritaria- llegó a convertirse en un tema de debate social y real.

En resumen, el planteamiento de un debate político verdadero sobre el futuro de la monarquía depende mucho del desgaste del bipartidismo político actual y, de que se profundice en un cambio del sistema político y de Estado que evite el actual modelo lleno de corrupciones, abusos e instauraciones casi perpetuadas y, para ello se hace necesario romper las barreras e imagen que representa el republicanismo anticuado y arcaico que con el modelo de la II República que por otro lado total e históricamente demostrado, éste no sirvió, fue ineficiente, lleno de disensiones y luchas internas y está al día de hoy caduco. Basta ver las sociedades de modelo socializado cómo van desapareciendo al menos que sean autocracias.

Republicanismo en España

Proclamación de la II República española el 14 de abril de 1931

La oportunidad pasa por el retorno de los partidos más moderados, o de sus miembros con ideario republicano vivo, creando nuevas opciones de inspiración basada en los preceptos republicanos para conseguir una transmisión del propio pensamiento razonado, como una alternativa real, veraz y no como un sistema de enfrentamiento. Pasa también por el hecho de aprovechar la inercia y fuerza del objetivo común con la modificación de la actual Constitución a fin de que permita, una, la posibilidad de referéndum para decidir ése cambio,  dos, el cambio en sí de la misma para poder llegar a la elección o no del modelo de Estado por sufragio universal. O sea, decidir sobre la del cambio constitucional y de modelo de jefatura de Estado en las urnas.

Posibilidades que hoy en día no están tan lejos si las alternativas tienen miras de futuro y son capaces de adaptarse a las nuevas sociedades tecnológicas, globalizadas y cambiantes por sí mismas. No se pueden cambiar las cosas haciendo lo mismo de siempre, la evolución viene a través del cambio y, éste, es el único medio para conseguir el advenimiento del republicanismo en nuestro país.

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Manifestación por la III República española

La pregunta ahora es… ¿Seremos capaces los republicanos de buscar y consensuar el objetivo común sobre los intereses de las diferentes facciones y corrientes para ser una alternativa única y real por medio de la fuerza legal del voto? A esa pregunta, al día de hoy, yo no me atrevería a darle respuesta. ¿Podría Podemos – porque es la opción mayoritaria de representación republicana al día de hoy – llegar a acuerdos con PSOE, IU, PNV, ER y otras opciones menores? para llegar a incluir la de los conservadores no monárquicos de Ciudadanos y del PP  en opciones futuras por un objetivo superior que el de gobernabilidad y con el que se sumasen en la cámara más del 1/3 real de republicanos al día de hoy. Ahora mismo lo dudo. Pero también no dudo que nunca tuvo el republicanismo español el campo también abonado para su aspiración.

@JordiCris

De cuando el miedo mató a las libertades.

No hay peor dictadura que la del miedo, capaz de justificar lo injustificable en cuanto a libertades se refiere…

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Zona 0 de los atentados del 11S World Trade Center (NY- EEUU)

Como sentenció el periodista, escritor y pensador español Ramiro de Maeztu…”La libertad no tiene valor en sí misma: hay que apreciarla por las cosas que con ella se consiguen“.

El 11S cambió las cosas en lo que a las libertades del individuo y sociales se refiere y, el miedo causado por sus consecuencias fue el inicio del fin de todas las libertades conseguidas desde la caída de los absolutismos e imperialismos hasta el desarrollo de los sistemas democráticos occidentales durante los siglos XIX y XX.

El escritor alemán y auto declarado anarquista sin objetivos Rudolf Rocker escribió que, “la libertad no es un concepto filosófico abstracto, sino la posibilidad concreta de que todo ser humano pueda desarrollar plenamente en la vida las facultades, capacidades y talentos de que la naturaleza le ha dotado, y ponerlas al servicio de la sociedad.” La libertad individual al servicio de la colectiva, es decir, la diferencia entre la LIBERTAD y el DERECHO como: – libertad es tener derechos – derecho es algo que se puede exigir cuando haces o cumples con tu deber social; o mejor dicho, el derecho de uno termina cuando empieza el derecho del otro, puesto que tienes la libertad de protestar o hacer algo pero ése algo no te da derecho a hacer vandalismo o terrorismo (como dañar a tu contrario, diferente o a la propiedad pública o privada). Por ejemplo: Tienes libertad de escuchar música, pero no a todo volumen  perturbando la tranquilidad del otro. etc.

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Estatua de La Libertad

Hoy, las libertades conseguidas por nuestros antecesores van siendo recortadas, modificadas, suprimidas o eliminadas en pos de una causa mayor, la seguridad. Pero cuando se pierden derechos fundamentales como las libertades de: vivir, expresión, movimiento y elección fracasamos como seres humanos y no tienen sentido los protocolos creados para garantizarnos precisamente esas libertades y derechos tal y como ordena el  Convenio Europeo para la Protección de los Derechos Humanos y de las Libertades Fundamentales. Roosevelt lo sintetizó en lo que llamaba el discurso de las «cuatro libertades humanas esenciales» cuyos objetivos para el mundo libre de post guerra eran: la libertad de expresión, la libertad religiosa, la libertad de vivir sin penurias (con unos mínimos como trabajo, vivienda, educación y salud) y, el último y más importante, la libertad de vivir sin miedo.

La única libertad fiable es la que puede vivirse en sociedad, la que se conquista en sociedad, la que no nos limita más que en el respeto y se ordena por sentido común, ni tan siquiera por las leyes, pues estas mismas muchas veces son injustas o coartan las propias libertades, como sucede ahora a causa del miedo. Occidente teme a Oriente, concretamente al choque cultural que le supone aceptar en sus conceptos otras culturas, a la invasión, sea demográfica o económica de las mismas y, a su propia historia, la que hizo que el imperialismo o religiones occidentales subyugasen al sur y oriente,  teóricamente civilizándolos. Las consecuencias las pagamos hoy a groso modo con reacciones como las del fundamentalismo musulmán que mal entiende su propio dogma y lo radicaliza en base a un enemigo común, occidente. Creando un supuesto Estado Islámico que sólo es la fachada de un capital y negocio escondido tras el dogma religioso y la demonización del infiel occidente, mal de todos los males y que subyuga no sólo las libertades de sus confesos por la ceguera de la incultura, sino por la culpa de la pérdida de sus propias libertades, del miedo al demonio infiel y, que además coarta las de los  propios enemigos en una sinergia perfecta a causa del horror y el miedo. O la invasión del dragón amarillo que se ha despertado y supone la caída y pérdida de supremacía económico-demográfica del propio Occidente, lo que crea barreras en las libertades con un proteccionismo inoperante que intenta controlar una invasión incontrolable y sólo rota por la avaricia del propio sistema capital, puesto que el dinero es lo único que no teme a invasiones o pérdidas de libertades, es más, más bien las agradece.

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Miembros del grupo terrorista de Estado Islámico (ISIS)

La lucha por las libertades se perdieron en el momento en que temimos por nosotros mismos sin tener en cuenta a los demás. Aceptamos perder nuestras libertades por miedo, aceptamos nuestras propias dictaduras por seguridad, por dinero y por la indiferencia hacia lo que le ocurra al vecino siempre y cuando no nos afecte como individuos. El 11S fue la excusa, la razón era más poderosa, el miedo de Occidente a perder su dinero fue mayor que el miedo a perder sus libertades. Y en esa causa creamos nuestras propias flaquezas y eso lo saben ahora quiénes nos atacan ahora con tanta saña.

De cuando el miedo se cargó a las libertades no es más que la secuencia de la propia historia del hombre, primero con las religiones para ordenar al hombre a través de la superstición y el miedo a un ser superior y divino creando un orden de fe, después al miedo de la diferencia, superior a la virtud del entendimiento y como causa la imposición, y así sucesivamente para llegar a las consecuencias de aquellos lodos a estos barros.

La libertad es el mayor anhelo y aspiración del ser humano y por eso es frágil, por miedo a que sea conseguida.

@JordiCris

La muerte de todos los dioses por Matrix.

Como dijo Salvador Pániker (en su caso mencionando a Bach)…”no soy ateo porque existe Joe Bonamassa”.

DIOSES GRIEGOS Y ROMANOS

Dioses griegos y romanos

El lenguaje binario es el más hablado por los nuevos profetas pese a ser el más desconocido…

Cayeron los viejos dioses, murieron los dioses egipcios, mayas, aztecas u olmecas, deidades de los pueblos elegidos por el sol y que representaban a las fuerzas y fenómenos de la naturaleza y que, los que los apoyaban adoraban y calmaban a través de ofrendas y rituales de modo que sus fuerzas continuaran con sus funciones de acuerdo a la maat, o el Téotl como orden divino. Los dioses del Olimpo, Dodekatheon o doce dioses olímpicos nacidos del Caos y casi humanos según la Teogonía de Hesíodo que vencieron a los titanes (Titanomaquia) o los dioses romanos asistentes o auxiliares invocados junto con la deidades mayores poco más que por sus nombres y funciones, en un polidemonismo más que un politeísmo y en el que el numen o ‘poder’ del ser que se manifestaba en formas altamente especializadas. Todos ellos murieron igual que hicieron otros dioses ancestrales a causa del paso del tiempo.

No hay dioses eternos, como la energía, los dioses se transforman, cambian de forma, de era, de dogma y de acólitos seguidores en su fe según nacen los nuevos dioses. Ellos no lo saben, pero los siguientes en morir serán los dioses monoteístas que hace tiempo iniciaron sus decadentes tránsitos hacia las nuevas religiones cambiando sus iluminaciones, cruces o cielos de edenes paradisíacos mientras los últimos reductos fundamentalistas, sea con libros sagrados millonésimamente malinterpretados  o fusiles intentan evitar lo inevitable, la caída de sus supersticiosos dogmas.

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Los smartphones son los altares donde rezamos los nuevos acólitos…

Las nuevas generaciones los han cambiado por los nuevos dioses creados por la tecnología, tienen nombre y apellidos, tienen su propias doctrinas y evangelios por diferentes que sean: Iphone IOS, Androide, Windows Phone, Firefox OS, Blackberry, Ubuntu Touch Linux, Tizen, WebOS, etc. Adorados con sus altares Iphone, Samsumg, Huawei, BQ Aquaris, Sony, LG, etc. etc., dioses como Bill Gates (Microsoft), Sergey Brin and Larry Page (Google), Linus Torvalds (Linux), Larry Ellison (Oracle), el desaparecido pero presente Steve Jobs (Apple), etc. Dioses que han hecho que las diferencias entre oriente y occidente sean mínimas para que todo el mundo pueda estar conectado, unido y compartir; algo que no consiguieron los antiguos dioses. Hasta sus cruzadas son diferentes, hay ejércitos de 140 caracteres prestos a la guerra santa, yihab, bula o Sun Tzu las veinticuatro horas del día.

Las nuevas generaciones han cambiado dioses, padres y cultura por el sistema binario unificado desde el bit hasta el Jotabyte (yottabyte) sin darse cuenta y, pronto su realidad será más virtual que verdadera y Matrix será ambas cosas, cada uno elegirá la dimensión donde quiera estar. Se habrá cumplido la profecía de la sagrada escritura tecnológica… La muerte de todos los dioses por Matrix.

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El lenguaje binario es el más hablado por los nuevos profetas pese a ser el más desconocido.

Sin menos precio alguno mientras me queden el cine, la música, la historia, la filosofía y la poesía seguiré adorando a dioses paganos como Joe Bonamassa, el mismo Pániker, Voltaire o Robert de Niro.

Por Jordi Carreño Crispín @JordiCris

La Capilla Sixtina del Paleolítico Superior… La Cueva de Altamira.

“Después de Altamira todo el arte parece decadente”. Pablo Picasso.

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El arte rupestre, Rupestre: Relativo a las rocas.  Dícese de los dibujos y pinturas de la época prehistórica existentes en algunas rocas y cavernas. El arte su forma artística demuestra y prueba la capacidad del hombre para expresarse independientemente de la época, de las condiciones y limitaciones de las mismas, éstas, no le impiden plasmar sus visiones, ideas, conceptos y sentimientos dejando muestra de su existencia y de los mismos.

Considerada la Capilla Sixtina del arte rupestre y declarada patrimonio de la humanidad desde el año 1985, la bóveda de la cueva de Altamira de 18 metros de largo por 9 de ancho y entre 1 y 2 metros de altura es la mayor representación artística del Paleolítico Superior, y bajo mi modesto punto de vista, la mayor de historia del Arte, por el período, circunstancias y limitaciones del mismo, por las técnicas utilizadas para su preparación y ejecución (la policromía y el relieve), por el impacto científico que supuso que representó un cisma contra las tradiciones y dogmas de la época en que fueron descubiertas por María, la hija de Marcelino Sanz de Sautuola, en un contexto de lucha suprema entre la influencia y superstición religiosa contra la ilustración científica, por el entorno geográfico de una sociedad caciquil en una España que empezaba a sumarse a los cambios políticos y sociales de la Revolución Industrial, a la competencia con la clase científica gala, hasta entonces la única reconocida como prestigiosa en las disciplinas de la antropología y arqueología mundial con los descubrimientos de los primeros yacimientos paleolíticos franceses desde las Cuevas de Chauvet del Auriñaciense hasta las del Solutrense y Magdaleniense de Lascaux, Trois-Frères o Rouffignac liderados por renombrados hombres de la época como H. Lartet, G. de Mortillet, H. Christy, Marcellin Boule, E. Piette, Salomon Reinach, Laming Emperaire e indudablemente los más inflyentes, H. Breuil, Leroi-Gourhan y el inicialmente intransigente Cartailhac que tardó 20 años en reconocer y legitimar el descubrimiento de María y Marcelino San de Sautuola publicando su carta “Mea culpa d’un scéptique“.

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María y Marcelino Sanz de Sautuola

Altamira conserva más de 260 pinturas y grabados con imágenes zoomorfas, el conjunto más importante se encuentra en el techo de la “Sala de los Polícromos” que contiene más de treinta figuras, con representaciones de bisontes, caballos, jabalíes y ciervos, unas figuras polícromas, rojas y negras, que se superponen entre sí adaptándose a los salientes de la roca, para dar sensación de relieve.

El Arte Rupestre ha sido la expresión del hombre y los grupos más tempranos desde el Periodo Paleolítico Superior alrededor del mundo, aproximadamente: entre los 40,000 a 35.000  años B.C. y los 15.000 a 10.000 B.C. La demostración de la necesidad inherente del ser humano de comunicarse entre sí, de plasmar mensajes a lo largo  de su historia.

Es parte de la expresión espiritual de culturas antiguas, que representaron y hoy día continúan representando  sus conceptos  mágico-religiosos  y actos cotidianos, así como eventos que en determinado momento han revestido una relevancia especial en su vida diaria, por lo que fueron conmemorados y trasmitidos a otras generaciones y a otros grupos coexistentes.

En un primer momento el arte rupestre paleolítico se consideró como puramente ornamental, carente de significados más complejos. Este punto de vista se apoyaba en el arte mueble conocido hasta entonces. Pero los avances en el conocimiento de la época, así como los descubrimientos que se iban haciendo, pusieron de manifiesto que había un complejo e indescifrable nexo entre los objetos representados y su localización. Se pintaba un limitado número de especies; con frecuencia las pinturas, dibujos y grabados se encuentran en los lugares más inaccesibles de las cuevas; hay asociaciones y signos enigmáticos, figuras intencionadamente incompletas o ambiguas y cuevas decoradas que aparentemente no fueron habitadas.

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A comienzos del presente siglo se aplicó al arte paleolítico la teoría funcional de la magia simpática. Según esta teoría, las pinturas servían para influir de forma mágica en sus modelos reales. Así por ejemplo, un bisonte pintado provocaría la caza de dicho animal. Se intentaron descubrir ritos y magias en cada aspecto del arte paleolítico, en los fragmentos de objetos decorados y en la representación de animales con flechas clavadas para propiciar su captura. Pero muy pocas figuras de animales paleolíticos tienen flechas clavadas, y muchas cuevas no tienen ninguna imagen de este tipo. En otros casos no hay escenas evidentes de caza y los huesos de animales encontrados en muchas cuevas no guardan relación con las especies pintadas, de modo que la motivación oculta del arte rupestre pudo distanciarse de las prácticas cotidianas que reflejan los restos descubiertos hasta ahora.

Otra teoría bastante popular fue la denominada magia de la fertilidad, según la cual la representación de animales garantizaría su reproducción y la consiguiente provisión de alimentos para el futuro. Pero en muy pocos casos se distingue el género de los animales, y los genitales se muestran casi siempre de manera discreta. En cuanto a la copulación, en toda la iconografía paleolítica solamente hay uno o dos ejemplos (bastante dudosos).

En definitiva, la mayor parte del arte paleolítico no tiene una relación clara con la caza o la reproducción. En la década de 1950 dos investigadores franceses, Annette Laming-Emperaire y André Leroi-Gourhan, llegaron a la conclusión de que las cuevas no habían sido decoradas al azar, sino de forma sistemática. Concibieron los diferentes ejemplos de arte rupestre como composiciones cuidadosamente planificadas dentro de cada cueva, considerando a los animales no como retratos sino como símbolos. Descubrieron toda una serie de asociaciones que se repetían con frecuencia: el predominio de caballos y bóvidos, agrupados en los muros centrales, se consideró una representación de la dualidad sexual. Dividieron también los signos abstractos entre masculinos (falos) y femeninos (vulvas).

Algunos investigadores intentan establecer criterios para identificar la obra de artistas individuales. Otros han creído descubrir relaciones entre las paredes más decoradas y la acústica de la cueva, sugiriendo con ello que el sonido desempeñó un importante papel en las ceremonias asociadas al arte rupestre.

¿Cuál es la importancia de la Cueva de Altamira?

Suponen el primer conjunto pictórico prehistórico de gran extensión conocido hasta el momento. Este descubrimiento determinó que el estudio de la cueva y su reconocimiento levantasen toda tipo de controversia respecto a los planteamientos aceptados por la ciencia prehistórica del momento y por la educación  religiosa opuesta claramente a las  teorías evolutivas.

El realismo y técnica de las escenas pintadas provocaron un fuerte debate en torno a su autenticidad. Su reconocimiento como una obra artística realizada por hombres del Paleolítico supone un largo proceso en el que, también, se van a ir definiendo los estudios sobre la Prehistoria.

Su primer defensor fue el propio Marcelino Sanz de Sautuola, su descubridor. Su valor será avalado por los frecuentes hallazgos de otras piezas de arte mueble similares en numerosas cuevas europeas. A finales del siglo XIX, principalmente en Francia, se descubrieron pinturas rupestres innegablemente asociadas a las estatuillas, relieves y huesos grabados aparecidos en niveles arqueológicos paleolíticos, unidos a restos de animales desaparecidos (mamut, reno, bisonte, etc.).

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Dibujo realizado por Marcelino Sanz de Sautuola

En ese reconocimiento, destacó muy positivamente el Abad Henri Breuil. Sus trabajos en torno al arte parietal, presentados en el congreso de la Asociación Francesa para el Avance de las Ciencias en 1902, provocaron cambios sustanciales en la mentalidad de los investigadores de la época.

Cartailhac fue el mayor o uno de los mayores opositores a reconocer la autenticidad de las pinturas de Altamira. El descubrimiento de grabados y pinturas a partir de 1895 en las cuevas francesas de La Mouthe, Combarelles y Font-de-Gaume, le hace reconsiderar su postura. Tras visitar las cuevas, escribió en la revista L’Antropologie (1902) el artículo titulado La grotte d’ Altamira. Mea culpa d’ un sceptique. Este artículo conllevó el reconocimiento universal del carácter paleolítico de las pinturas de Altamira.

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Fijada la autenticidad de las pinturas, se inicia el debate sobre la propia obra. La divergencia entre los investigadores se centra en torno a la precisión cronológica, la misteriosa finalidad de las mismas y su valor artístico y arqueológico. Estas cuestiones afectaron, no sólo a la cueva de Altamira, sino a todo el arte rupestre cuaternario descubierto.

El método del carbono 14 llevó a los investigadores Laming y Leroi-Gourhan a proponer para las pinturas de Altamira una datación entre 15.000 y 12.000 años B.C. Pertenecían, por tanto, al período Magdaleniense III.

La Técnica.

Las imágenes se encuentran grababas o dibujadas en las paredes y techo con pigmentos minerales ocres, marrones, amarillentos o negros, mezclados con aglutinantes como la grasa animal. Se aplicaron con los dedos, con algún utensilio a modo de pincel y en ocasiones soplando la pintura a modo de aerógrafo. También se usó carbón vegetal para perfilar los bordes. Pero quizá lo más sorprendente de las pinturas sea su expresividad, conseguida no tanto por una imitación exacta del modelo como por una extraordinaria habilidad para utilizar las manchas de color y las líneas, consiguiendo dotar a las figuras de una fuerza y un naturalismo que aún hoy nos resultan difíciles de mejorar. Los artistas (porque no se puede calificar de otro modo a los artífices de semejante maravilla) que las llevaron a cabo supieron hacer uso de los juegos de sombras y de la perspectiva, como se puede comprobar en la imagen de la cierva, modelada con un magistral cromatismo. Otra de las representaciones más emblemáticas es la del caballo, como el resto de los animales, dibujado con un gran detallismo anatómico.

Llama la atención es el asombroso realismo de las imágenes, las más bellas realizadas en la cúpula de la galería central. El bisonte es el animal que más veces aparece representado, aunque también hay caballos, ciervos, jabalís, mamuts, renos (animales propios de climas muy fríos que en la actualidad están extinguidos en Europa) figuras antropomorfas y diversos símbolos. Aparecen representados de manera independiente, no formando escenas y ocasiones se han aprovechado los abultamientos de la roca para conferir volumen a las formas. Tal es el caso del bisonte encogido, una de las imágenes más conocidas, que fue concebido en esa postura para coincidir con un resalte rocoso y que destaca por su enorme verosimilitud.

Los elementos representados pertenecen a diversas épocas. Se cree que las pinturas más antiguas son las rojas, sobre las que se añadieron otras negras. Más tarde se pintarían las polícromas rodeadas nuevamente de imágenes negras.

Sobre el significado de estas escenas o las posibles intenciones de los hombres que las concibieron existen muchas interpretaciones. Pudiera haberse tratado de un santuario religioso, o de la representación de una batalla simbólica entre dos clanes, encarnados por la cierva y el bisonte. Acaso sean los ritos de fertilidad lo que se plasmó en las paredes y techo de la cueva, o ceremonias para propiciar la caza (se pintarían los animales que más tarde serían cazados). Incluso se ha manejado la hipótesis del “arte por el arte”, que abogaría por una utilidad meramente estética.

Reconocer por ello al autor o autores como verdaderos artistas es reconocer no sólo la calidad de la obra sino la capacidad del hombre desde su muy temprana edad evolutiva como una auténtica capacidad creativa, sensible, técnica y de adaptación al medio que lo distingue como animal racional sobre el resto de las especies. Altamira es la constatación no sólo del arte humano, lo es por ende, de la propia esencia del mismo.

Jordi Carreño Crispín.

Nota: B.C (Before Christ) Antes de Cristo

Fuentes Consultadas, extractos, enlaces y adaptaciones de textos utilizados:

Editorial.

El Arte en la Prehistoria de Mario Menéndez, Martí Más y Alberto Mingo. UNED.

Técnicas y Medios Artísticos de Esther Alegre, Genoveva Tusell y Jesús López Díaz. UNED.

Manual de Arte Prehistórico de José Luis Sanchidrián.

Enlaces:

http://enciclopedia.us.es/index.php/Cueva_de_Altamira.

http://museodealtamira.mcu.es/web/docs/El_descubrimiento.pdf

http://www.rtve.es/noticias/20140118/cueva-altamira-tesoro-arte-rupestre-espanol/853240.shtml

http://www.artehistoria.com/v2/monumentos/36.htm

Fotografías:

http://museodealtamira.mcu.es/Prehistoria_y_Arte/la_cueva.html

http://museodealtamira.mcu.es/

http://www.eldiariomontanes.es/20130419/local/torrelavega-besaya/esceptico-equivoco-altamira-201304191957.html

 

 

Vladimir Nabokov o el padre de Lolita.

«Apreciad los detalles, los divinos detalles». Esta máxima esencial preside ‘Cursos’, las clases de literatura del escritor que ahora se publican.

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Nabokov escribiendo en el coche.

Vladímir Vladímirovich Nabókov hijo de Vladimir Dmitrievich Nabokov, jurista y estadista, hijo de un ministro de Justicia bajo los zares y de la baronesa María Bon Korff, nacido, no se sabe exactamente si el 22 o 23 de abril, aunque esta última parece ser la fecha biográficamente más aceptada, del año 1899 en la casa de campo familiar en Vyra, provincia de San Petersburgo, por tanto, en el seno de una familia rica, educado por institutrices inglesas y francesas, que a su vez serían sustituidas más tarde por preceptores rusos y alemanes, aprendió a hablar primero el inglés que en su lengua vernácula, el ruso.

Cursó estudios en el Prince Tenishev School entre 1910 y 1917, y en el Trinity College, Cambridge en 1922.

Para escapar a la revolución bolchevique salió junto a su familia de Rusia (1919) y se radicó en Berlín, Alemania. Huido de Europa después del triunfo hambriento de los nazis se refugió en Francia en el año 1937 para terminar emigrando a Estados Unidos en el año 1940, en plena II Guerra Mundial.

Para ganarse la vida enseñó inglés, fue profesor de tenis, y también creó crucigramas para el periódico ruso Rul desde 1922 a 1937. Se forjó cierta reputación como escritor de ficción (en ruso) bajo el seudónimo de, V. Sirin.

El joven exiliado comenzó a labrarse fama como escritor entre la colonia de exiliados rusos. También de entonces data su matrimonio con Vera, una rusa de ascendencia judía y su compañera de por vida. Como nunca aprendió a conducir, dependía siempre de su esposa Vera para que lo llevara.

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Vera Nabokova, la inseparable mujer de Vladimir Nabokov

Había escrito más de 2.000 páginas confeccionando distintos cursos de literatura rusa y europea antes de dar clase alguna. Nabokov necesitaba escribirlo todo, era incapaz de responder a una si no escribía previamente su respuesta. En cuanto al orden cronológico, las primeras lecciones en su trilogía de Cursos no las daría ni en Wellesley ni en Cornell, sino en Harvard, aprovechando una excedencia e invitación que se le hizo en el año 1951. El tema no podía ser otro que la novela fundacional: El Quijote.

Su obra incluye poesía, ficción, drama, autobiografía, ensayos, traducciones, y crítica literaria, así como trabajos sobre mariposas y ajedrez, aficiones heredadas de su padre. Destacó en su carrera como entomólogo acumulando una gran colección de insectos. En la década de 1940 estuvo a cargo de la colección de mariposas de la Universidad de Harvard. El género Nabokovia fue nombrado en su honor, así como otras mariposas, especialmente de los géneros Madeleinea y Pseudolucia.

Popularmente conocido por su novela, Lolita (1955) la extraordinaria y controvertida novela en la época donde Humbert, el protagonista, un hombre mayor, se enamora de una niña de 12 años, Lolita, y la seduce. Los editores americanos temieron lo peor y tardaron en publicarla. Apareció primero en Francia, y tras diversos escándalos y la publicidad que obtuvo, salió en USA (1958), donde consiguió un éxito perdurable. Escribió además Pálido fuego, Ada o el ardor, ¡Mirad a los arlequines! o La dádiva que figuran entre las obras maestras de la literatura de todos los tiempos. Muchos críticos y moralistas atacaron a su novela Lolita que se convirtió en un bestseller tras publicarse cuando ya había cumplido los 56 años y que le dio el reconocimiento y la fama internacional. En 1959 se estableció en Suiza.

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Lolita, la obra que popularizó a Nabokov

El Nabokov pedagogo

Aunque no lo hiciera de manera explícita, porque los decálogos y cualquier forma de regular la creatividad, le ponían enfermo, podemos decir que Nabokov en sus cursos sobre novela europea y rusa, y en menor medida en polémico curso sobre El Quijote, utilizaba una especie de tabla de mandamientos que pretendía  contagiar, nunca imponer, a sus alumnos. No quiso darles la tabarra con grandes peroratas y huecas erudiciones, aunque utilizaba ésta siempre que le fuera de utilidad. Siempre pretendió invitarles a que hicieran de la lectura una experiencia mágica, sensual y dichosa.

Nabokov hacía ver a sus alumnos que sin el lector, sin la responsabilidad y total participación del mismo, pero también sin sus ganas de presenciar un milagro estético, no era posible esa magia, pues al fin y al cabo, la literatura se producía para él mediante esa fricción que se da en el encuentro o choque de dos mundos: el mundo que contiene una novela, con su lógica particular, y el mundo del lector, agarrado inevitablemente al engrudo de la gravitación y las reglas de la realidad. El lector era el encargado de vivificar el tejido que formaba una novela. El encuentro entre uno y otra tenía algo siempre de invención del fuego: la fricción constante que produce un calor que al exacerbase produce una chispa, una lumbre que puede ocasionar una hoguera, un incendio. Así pues el primero de los mandamientos de las tablas de Nabokov exige a los lectores «asumir el misterio de las cosas». Es una línea del Rey Lear, de William Shakespeare, y es lo que Nabokov, que todavía no había escrito Lolita ni se había hecho multimillonario, le sugiere a todo aquel que pretenda tomarse el arte en serio.

Para definir arte propone esta síntesis: belleza más compasión. Y agrega, consciente de la impotencia de su propia definición: «Esto es lo más cerca que podemos estar de una definición de arte». Sin embargo para confeccionar «la realidad», a la que considera una cáscara vacía que sólo podría obtenerse mediante una síntesis de lo que cada cual considerara «realidad» (y la realidad del botánico ante un paisaje no puede ser la misma que la de un paseante distraído), las artes dedicadas a ese negocio no pueden sino recurrir a artimañas ficticias: «Se podrá discutir si el periódico y un conjunto de sentidos reducidos a cinco son las fuentes principales de la llamada «vida real» del llamado «hombre medio», pero una cosa sí es segura, afortunadamente: el mismo hombre medio no es sino un ente de ficción, un tejido de estadísticas». Dado que la idea de «vida real» se basa en un sistema de generalidades, los hechos de esa vida real sólo pueden enlazarse con los de la ficción en cuanto a generalidades. De ahí cabe deducir que cuanto menos general sea una obra de ficción menos reconocible será en términos de vida real. Y viceversa. Ahora bien, partiendo de esa sencilla regla matemática, Nabokov no duda en hacerse trampas cada vez que puede. Por ejemplo, respecto al Quijote, le echará en cara a Cervantes que demuestre un escaso conocimiento de la geografía española, lo que debería haber llevado a alguno de sus alumnos a preguntarle: «Pero, profesor Nabokov, si nos ha dicho que la ficción que crea un autor no le debe nada a la realidad de la que ese autor forma parte, ¿por qué vamos a afearle a Don Quijote que de La Mancha a Barcelona no cruce ningún río? A lo mejor en la España ficticia de la novela no hacía falta que hubiera un río». Nabokov no teme hacer esta trampa una y otra vez, es decir, acude a los datos de la realidad para marcar una debilidad en alguna de las ficciones que comenta, porque por mucho que observara que el arte lo que se propone es crear su propia realidad, parece evidente que ésta no tiene otro remedio que estar anclada en la realidad hecha de generalizaciones, gracias a lo cual si en una novela realista un personaje se tira al metro, el lector no aprobará que aparezca un mago de repente que libre al suicida de su muerte: esas cosas sólo pasan en la realidad, la inverosimilitud es un aliciente de la realidad, en la lógica de la ficción suele señalar una pereza.

Nabokov se previene siempre pidiendo a sus alumnos que no caigan en el vicio de hacer de los personajes de ficción representantes eximios de determinados grupos humanos: el cuadro que Cervantes pinta de la España del XVII es tan representativo de la España del XVII como Santa Claus es representativo del siglo XX. Así pues hay un hiato entre los mandamientos que Nabokov va poniendo en liza en su defensa de la ficción a través de algunas obras maestras (y de otros autores a los que hace estudiar para rebajarles la condición de ejemplares, como es el caso de Dostoievsky, al que considera ramplón, tremendista, y lo peor que puede ser un novelista: un moralista) y algunos de los exámenes que les hace pasar a esas obras. Pero trata en todo momento de recordarse y de recordar a sus alumnos que toda gran novela es un cuento de hadas, y que no hay peor estrategia que la de buscar en sus personajes identificación con uno mismo o enseñanzas pedagógicas o influencia social o, en fin, compromiso. Para Nabokov el compromiso -con qué- es siempre un ardid mediocre: los compromisos se contraen, y contraer es empequeñecerse. Una novela es una obra de arte: lo que se le debe exigir es emoción estética. Lo que debe contagiarnos es perplejidad y asombro para seguir asumiendo el misterio del mundo. De ahí su mandamiento esencial: apreciad los detalles, los divinos detalles.Muchos de los alumnos de Nabokov, cuando éste ya alcanzó la fama mundial, prestaron sus impresiones al recopilador de estos Cursos, Fredson Bowers. Alababan el entusiasmo de su antiguo profesor, el modo en que penetraba en los mundos encantados que iba presentándoles, estudiando itinerarios de personajes, dibujando la especie a la que pertenecía Gregorio Samsa, escudriñando la melodía de la prosa de Jane Austen o el uso de la frase que se desdobla incansable en la de Proust. Algo de esa magia se conserva en el texto de estas lecciones, donde se ve en muchas páginas la lupa del entomólogo Nabokov aplicada a pasajes de sus obras predilectas: una de sus tácticas era reducir las novelas a su demorada exposición argumental para luego buscar, como quien hunde la mano en fango en pos de un brillante, los excepcionales detalles en los que quedaba guardada la emoción. También leía en voz alta sus pasajes favoritos que por sí solos constituirían una deliciosa antología nabokoviana. Para el lector de estos Cursos, será difícil volver a Tolstoi y no apreciar el modo en que juega con las dimensiones del tiempo, o rescatarse de observar el uso del contrapunto que hace Flaubert constantemente. Y desde luego qué cansina queda al lado de la lectura de Nabokov la sólita lectura del Ulises de Joyce como parodia del de Homero: Nabokov nos muestra cómo el tema de la novela de Joyce es el Destino en su terna eterna: el pasado presente pero imposible, el presente ridículo e inagarrable y el futuro patético, los tres bailando en una sincronización de sucesos triviales. En cuanto a El Quijote, ¿a quién sino a Nabokov podía habérsele ocurrido demostrar que el personaje de Cervantes da más palos de los que recibe mediante un cómputo de partido de tenis? ¿a quién sino a él pudo ocurrírsele la genial idea de que en la batalla final, en vez de enfrentarse con el Caballero de la Blanca Luna, debía haberse enfrentado con el Quijote de Avellaneda, para que la falsedad tuviera ocasión de vencer a la ficción verdadera? Los Cursos de Nabokov consiguen lo que se proponen, con sus trampas incluidas: son excelentes puertas de entrada a las novelas de las que se ocupa, y están llenos de observaciones interesantes cuando no geniales, y desde luego, que es lo fundamental, contagian la impresión de que sí, en efecto, una gran novela es siempre un acto mágico gracias al cual sus lectores alcanzan a asumir el insobornable misterio de las cosas.

Original inédito

En abril de 2008, Dmitri Nabokov, hijo y albacea literario del escritor, comunicó a la prensa su decisión de publicar una novela inconclusa de su padre. El manuscrito, titulado The Original of Laura, consta de 138 fichas, el equivalente de unas 30 páginas manuscritas. A su muerte, en Montreux, Suiza, el 2 de julio de 1977 Nabokov había dejado instrucciones para que el manuscrito fuera destruido; su viuda, sin embargo, optó por conservarlo.

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Las obras de Vladimir Nabokov

  • La defensa de Lùzin (1930)
  • Desesperación
  • Invitado a una decapitación
  • Barra siniestra – fue su primera novela en inglés (1947)
  • Lolita (1955)
  • Pálido fuego (1962)
  • Alexandr Pushkin Eugene Onegin (4 volúmenes). Publica su traducción al inglés (1964)
  • Habla memoria (1966)
  • Ada o el ardor (1969)
  • Una belleza rusa y otros relatos (1973)
  • Opiniones contundentes (1973)

“Aunque camino siempre al borde de la parodia, tiene que haber, por otra parte, un abismo de seriedad”.

Para finalizar recomendarte que consigas el documento único que te hará comprender la vida de este notable artista. Un video (es posible conseguirlo en DVD y VHS) con la entrevista que Bernard Pívot le realizó en su programa televisivo “Apostrophes“, para la televisión francesa, a Vladimir Nabokov en 1975. Es de público conocimiento el rechazo natural que Vladimir tenía por las entrevistas televisivas, pero para esa oportunidad puso una serie de condiciones que demuestran el tipo de sensibilidad que poseía este notable escritor y sencillo ser humano.

Por Jordi Carreño Crispín.

P.D: Dedicado a todos mis amigos escritores, a los que he leído, a aquellos que con la pluma de su imaginación son capaces de hacernos volar a múltiples paraísos, a los que nos regalan billetes para aprender, soñar, reír, llorar, y, con su sapiencia nos vuelven si no más sabios, al menos más críticos y conocedores. Gracias a todos… Especialmente para la novel escritora que con algún certamen cuenta ya en su currículo, mi hija Aurora Carreño, a mis amigos Celia Velasco, Pedro Prieto, Guillem Bujosa, Jorge Espina, Juan Mi Julià (Samuel Bressón), Antonio Doñoro, José Aranda, Joana Pol, Miguel Ángel Vidal, Victòria Fullana, Martín Garrido Ramis, Miquel Adrover Caldentey, Paco Tena, Paco Ferrandis, Inma Chacón y aunque ya no esté entre nosotros al inolvidable profesor José Luis Sampedro… y a los que aun  no he leído pero leeré algún día y, por supuesto a mi musa, la que me inspira y única que es capaz de hacerme escribir compulsivamente , Tuñy Barcala.

Fuentes y extractos de textos documentales:

www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/1603/Vladimir%20Nabokov

http://www.elmundo.es/cultura/2016/12/17/5854455cca4741ff3f8b462a.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Vladimir_Nabokov